miércoles, 21 de febrero de 2018

Estreno: MATADERO SUR

La Cuarta Pared de Argentina se presentará en Lima con dos únicas funciones

Luego de la exitosa temporada teatral de “el Túnel” La Cuarta Pared Argentina presenta en Lima la obra teatral  "MATADERO SUR" basada en la historia de la violencia y del conflicto interno que sufrió el Perú en sus últimas décadas. Con 30 actores en escena y en dos únicas funciones se presentará los días 27 y 28 de febrero en el Centro Cultural Ricardo Palma de la Municipalidad de Miraflores. 

Luego de dos años de intensas lecturas y búsquedas bibliográfica. De realizar entrevistas con partícipes activos y víctimas del conflicto armado. Seguido de intensas prácticas, y contactos fluidos con personas; se fue recogiendo testimonios, entrevistas, fotos, archivos, documentos y se reconstruyó las historias de los distintos sobrevivientes de sucesos que marcaron parte de la historia del Perú. Se intentó reproducir todo ese conglomerado de experiencias, y se verbalizó a través de la escritura.

Obra: Matadero sur
Grupo: La Cuarta Pared Argentina
Director: Horacio Rafart – Guillermo Ale
Dramaturgia: Guillermo Ale
Año: 2017
Duración: 1 hs 10 min
Días: martes 27 de febrero – miércoles 28 de febrero
Horario: 8pm.
Valor de la entrada: 30  soles gral. Jubilados / Estudiantes . 20

SINTESIS:
Qué pasa cuando el dolor de miles de personas se transforma en silencio. Qué pasa cuando la memoria se transforma en un músculo inútil. Es ahí,  donde un testimonio o un recuerdo es un arma de defensa. Matadero sur es el lugar donde resistir.
Matadero sur es una mirada del mundo donde se ven reflejados los dolores de aquellas personas que fueron víctimas de la violencia y  el destierro. Construido como una reflexión sobre el amor, la muerte, y el temor que inspira la absoluta vulnerabilidad a la que nos condena una tierra que amamos y odiamos en iguales proporciones.
Tejido sobre los hechos históricos que sufrió el Perú y otros países latinoamericanos. Matadero sur es un relato de vida que contribuye al debate sobre nuestro pasado más próximo y más difícil.

Una obra testimonial sobre sucesos reales:
De una dramaturgia profunda, polifacética y testimonial. Donde se reproduce de una manera fiel, esas vivencias que recolectamos todo este tiempo. La obra teatral Matadero Sur  supone un espacio para interpretar una aproximación a esas voces excluidas que padecieron una historia atroz, y real. Una mirada sobre nosotros mismos, sobre nuestros males, nuestras deficiencias sociales más profundas y complejas, sobre la historia política de los últimos años que padeció Perú.

La obra reproduce fielmente ese grito y esa necesidad colectiva, sin exclusiones, de contar nuestra historia como país y como sociedad. Una necesidad de expresión de contar aquello que se ocultó durante años, que solo permanece en la conciencia y memoria de esas personas participes de esos momentos más negros de la historia. Y no se trata de una perspectiva solo artística, sino, al fin y al cabo, de una cuestión de conciencia.

CONTACTO : CEL 993725097

martes, 20 de febrero de 2018

Estreno: LOS COLORES DE ALMENDRA

¡Una obra familiar en teatro de luz negra!

Creación colectiva dirigida por Juan Carlos Valdez
Estreno: sábado 24 de febrero CC. Ricardo Palma
PREVENTA HASTA EL 23 DE FEBRERO A 23 y 13 SOLES
TEMPORADA: del 24 de febrero al 25 de marzo, sábados y domingo 4:00pm

DRAMATURGIA: Creación colectiva
DIRECCIÓN: Juan Carlos Valdez
ELENCO: Francine De la Peña, Klaus Eloy Herencia Guerrero, Eveling Olivares, Silvana Picco y Fabrizio Morales
LUGAR: Centro Cultural Ricardo Palma
DIRECCIÓN: Av. Larco 770 Miraflores

Comenzando la temporada de teatro familiar, se presenta LOS COLORES DE ALMENDRA creación colectiva dirigida por Juan Carlos Valdez. La obra se estrena el sábado 24 de febrero a las 4:00pm en el Centro Cultural Ricardo Palma.

LOS COLORES DE ALMENDRA nos cuenta la historia de una pequeña niña (Almendra) y su amado perro (Obama), ellos son inseparables y viven en un mundo de colores, donde los objetos toman vida y forman parte de su juego en el día a día. Una mañana, cuando sus papás se van, los dos cómplices se quedan solos ayudando en las tareas de la casa. Hasta que un inesperado intruso irrumpe en su mundo. A pesar de todo, Obama demostrará ser el fiel escudero de Almendra, pero ¿Qué pasa cuando los inspectores alejan a Obama de la vida de Almendra? ¿Quién podría defenderla del peligro que la acecha?

LOS COLORES DE ALMENDRA es una creación colectiva que se destaca por su uso del teatro de luz negra como único lenguaje en escena. En el Perú, se ha explorado en diversas ocasiones estos recursos y LOS COLORES DE ALMENDRA da otro paso con un espectáculo que deja que la música y los objetos cuenten la historia, sin necesidad de palabra o narración. ¡Toda una experiencia visual!

Es una creación colectiva que desea compartir importantes valores como el amor, la amistad, la lealtad y el valor de la imaginación. Todo esto a través de una puesta en escena llamativa, mágica y pocas veces vista en la escena local. La puesta tiene como protagonista a Francine De la Peña en el papel de Almendra y es acompañada por los actores Eveling Olivares, Klaus Herencia Guerrero, Silvana Picco y Fabrizio Morales, interpretando múltiples personajes que dan forma al mágico mundo de LOS COLORES DE ALMENDRA.

LOS COLORES DE ALMENDRA
Entrada General: S/.25.00 nuevos soles
Niños/ Estudiantes/ Jubilados: S/.15.00 nuevos soles
Comunidad PUCP*:S/.15.00 nuevos soles
*Alumnos, ex alumnos, trabajadores y profesores.

VÁLIDO SOLO EN LA BOLETERÍA DEL TEATRO
PREVENTA HASTA EL 23 DE FEBRERO A 23 Y 13 SOLES*
Entradas a la venta en ATRAPALO.PE y en la boletería del teatro una hora antes de función.

Para mayor información comunicarse con Alessa Guerrero (Prod. Ejecutiva)| 972702577 | coloresdealmendra@gmail.com

Reestreno: JUNTOS Y REVUELTOS

COMEDIA DE ENREDOS EN EL TEATRO AUDITORIO MIRAFLORES

Divertida comedia familiar llega en marzo a Miraflores.

Llega al Teatro Auditorio Miraflores (Av. Larco 1150 - sótano Miraflores), todos los viernes, sábados y domingos del mes de marzo, JUNTOS Y REVUELTOS, un montaje que D’Arcanus Producciones lleva a las tablas para acercar esta comedia moderna al público limeño. La pieza tiene una trama viva, ágil y entretenida que conquistará a todos lo que quieran divertirse con las situaciones de esta singular familia.

Una comedia fresca y divertida, que nos presenta a Simón el cual vive con su familia junto con su hermano enfermo y su sobrina y el abuelo.  A esto se les suma diversos y jocosos personajes que se van sumando al poco espacio familiar de manera espontánea, esto genera en Simón desesperación por no tener espacio para alojar a tantas personas, pero por amor a su familia termina cediendo. Esta comedia  brinda por medio de la comedia una pequeña critica a algunos aspectos de la nueva sociedad moderna peruana, el poco acceso a una vivienda libre y de calidad bajo las posibilidades del trabajo y salario.

D’Arcanus Producciones presentará en el mes de Marzo, su nuevo estreno en el Teatro Auditorio Miraflores: JUNTOS Y REVUELTOS, la cual nos muestra las desventuras de una familia de clase media limeña que por las dificultades de conseguir casa, los integrantes siguen sumándose de manera inesperada haciendo mas difícil la convivencia.

El elenco de “JUNTOS Y REVUELTOS” lo conforma Jenny Hurtado, David Huamán, Pedro Olortegui, Lorena Vásquez, Cristhian Palomino, Claudia Trucios, Ricardo Morante y Antonio López, bajo la dirección de Victor Barco. La temporada se llevará a cabo todos los viernes, sábados y domingos a las 8:30 pm del mes de Marzo, en el Teatro Auditorio Miraflores, ubicado en Av. Larco 1150 Miraflores. Las entradas podrán adquirirse en la boletería del mismo teatro y en Atrapalo.pe 

Contactos: Victor Barco - 944273179

D’Arcanus Producciones presenta
JUNTOS Y REVUELTOS

Comedia de Enredos
Elenco: Jenny Hurtado, David Huamán, Pedro Olortegui, Lorena Vásquez, Cristhian Palomino, Claudia Trucios, Ricardo Morante y Antonio López
Dirección: Víctor Eduardo Barco

Temporada:
TEATRO AUDITORIO MIRAFLORES
Av. Larco 1150 – sótano Miraflores
Viernes, sábados y domingos a las 8:30 pm.
Del 3 al 25 de Marzo
Entradas: Boletería del teatro, Por mensaje a la fan page, o por la web de atrapalo.pe

Promoción para estudiantes de escuelas de teatro o talleres
Preventa en Atrapalo: 20 soles solo por el mes de febrero

Reestreno: LOS FUNERALES DE DOÑA ARCADIA - MIENTRAS CANTA EL VERANO

ESPACIOLIBRE INICIA TEMPORADA ITINERANTE CON DOS OBRAS DE SU REPERTORIO

Obras teatrales cuentan con la participación de la mítica actriz peruana Aurora Colina

Desde el 1 de marzo  el grupo de teatro EspacioLibre realizará su ciclo de funciones itinerantes que reúnen a dos creadores peruanos de gran relevancia histórica: Sebastián Salazar Bondy y Martín Adán como parte de los espectáculos “Los Funerales de Doña Arcadia” y “Mientras canta el verano”.

"Los Funerales de Doña Arcadia" toma como punto de partida el texto "Lima La Horrible" de Sebastián Salazar Bondy, a más de 50 años de su primera (y vigente) publicación. Una gran ciudad está de luto. Los rumores de la muerte de Doña Arcadia se han esparcido por todas partes. Ella es considerada la más longeva y cuestionada matriarca fundadora. Los personajes han tomado la ciudad. Deambulan buscando una respuesta.

“Mientras canta el verano”, versión (re)contra libe y renovada de “La Casa de Cartón” de Martín Adán, es una representación de una actual máquina social con tres sistemas claramente definidos: el gobierno, los medios de comunicación y la educación. Un gallinazo construye una perversa relación de poder con un joven escritor. Dos mendigas, cuyo paso transcurre entre la necesidad de soñar, de inventar nuevas realidades y la necesidad de no ocultar los hechos reales de los cuales son testigos.

Ambos espectáculos cuentan con la dramaturgia de Diego La Hoz y la participación de la emblemática Aurora Colina, actriz que desde hace algunos años es parte del grupo de actores de EspacioLibre. En esta ocasión, acompañada por Natalio Diaz, Eliana Fry García-Pacheco, Karlos López Rentería y Javier Quiroz. La dirección está a cargo de Diego La Hoz.
Las 11 funciones que conforman esta breve temporada itinerante llevará el trabajo del grupo teatral por los distritos de Miraflores, Cercado de Lima y Villa El salvador.

Sobre la Temporada Itinerante:
Los Funerales de Doña Arcadia
Cercado de Lima -Jueves 1 – 8 – 15 – 22 de Marzo [8pm] – Asociación de Artistas Aficionados
Miraflores - Sábado 10 [8pm] y Domingo 11 [7pm] de Marzo - Club de Teatro
Villa El Salvador –Sábado 17 de marzo [8pm] – Casa Arenas y esteras

Mientras canta el verano
Cercado de Lima -Jueves 5 – 12 – 19 – 26 de Abril [8pm] – Asociación de Artistas Aficionados

-Entradas: en la boletería del teatro (Preventa y reservas al Whatsapp 952025487 y a casaespaciolibreteatro@gmail.com)

lunes, 19 de febrero de 2018

Evento: FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS DE LIMA (FAE LIMA 2018)

Temporada del 28 de febrero al 11 de marzo

El Festival de Artes Escénicas 2018 se constituye como una plataforma de intercambio artístico que albergará espectáculos nacionales e internacionales. Tiene como objetivo propiciar un espacio dedicado a la exhibición y difusión del teatro, la danza, el clown, la performance y otras artes escénicas, nacionales e internacionales, que contribuyan con el fortalecimiento del arte escénico peruano contemporáneo.

En esta segunda edición, el Ministerio de Cultura se une a la organización del FAE LIMA 2018, sumándose a las principales instituciones que trabajan en beneficio de las artes escénicas en nuestra ciudad, como son el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú, el Centro Cultural Peruano Británico, el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico, el Centro Cultural de la Universidad de Lima y el Teatro La Plaza.

Se presentarán 10 obras nacionales elegidas bajo convocatoria abierta y 8 obras internacionales provenientes de Argentina, Uruguay, Colombia, Corea del Sur y Reino Unido, este último país invitado. Cada institución organizadora albergará una obra internacional y dos obras nacionales.

En el teatro de la Universidad de Lima se presentarán las obras nacionales “Recuerdos con el Señor Cárdenas, de Patricia Romero, El arcoíris en las manos, escrito por Daniel Fernández y dirigido por Dusan Fung; y la obra internacional Ex – que revienten los actores, de autor y director uruguayo Gabriel Calderón.

RECUERDOS CON EL SEÑOR CÁRDENAS
Jueves 1 de marzo a las 20.30 horas y viernes 2 de marzo a las 11.00 y a las 20.30 horas
Dramaturgia y dirección Patricia Romero

EL ARCOÍRIS EN LAS MANOS
Lunes 5 de marzo y martes 6 de marzo a las 20.30 horas
Dramaturgia Daniel Fernández
Dirección Dusan Fung

EX – QUE REVIENTEN LOS ACTORES (obra uruguaya)
Jueves 8 y viernes 9 de marzo a las 20.30 horas
Dramaturgia y dirección Gabriel Calderón

OBRAS DE TEATRO

DESHUESADERO
Pre venta 1 26 de febrero al 25 de marzo
Pre venta 2 26 de marzo al 17 de abril
Venta regular 18 de abril al 25 de junio
Estreno 16 de mayo
Temporada del 17 de mayo al 25 de junio
Jueves a lunes a las 20.30 y domingos 19.00 horas
Autor Carlos Gonzales Villanueva
Director Fernando Castro

AÑOS LUZ
Pre venta 1 1 de junio al 30 de junio
Pre venta 2 1 de julio al 16 de agosto
Venta regular 17 de Agosto al 1 de octubre
Estreno 15 de agosto
Temporada del 16 de agosto al 1 de octubre
Jueves a lunes a las 20.30 y domingos 19.00 horas
Director Ernesto Barraza

ZOMBIE
Estreno 17 de octubre
Temporada del 18 de octubre al 1 de diciembre
Jueves a lunes a las 20.30 y domingos 19.00 horas
Director Carlos Tolentino

TARIFAS OBRAS DE TEATRO
TIPO TARIFA
PRE VENTA 1
PRE VENTA 2 / LUNES POPULARES
PRECIO REGULAR
GENERAL


S/ 20.00
S/ 35.00
S/ 50.00
JUBILADO
S/ 25.00
S/ 30.00
ESTUDIANTE
S/ 20.00
S/ 25.00
ESTUDIANTE ULIMA
S/ 15.00
S/ 20.00
COMUNIDAD ULIMA
S/ 25.00
S/ 30.00

STAND UP SESSION
Elenco Carlos Palma, Gachi Rivero, Mateo Garrido - Lecca
Siguiendo la acogida del show de stand up comedy programado en el 2017, en el 2018 se realizará la actividad Stand up Sessions. La actividad está conformada por la realización de 4 unipersonales de stand up comedy de reconocidos artistas del Club de la Comedia: Carlos Palma, Gachi Rivero, Mateo Garrido Lecca y Guillermo Castañeda. Cada sesión se realizará durante un mes, los días miércoles.  Con esta actividad se dará cabida a distintos performers para abordar con humor temas de la vida cotidiana.

Los espectáculos a presentarse son:

Oh my Gachi! - Unipersonal Gachi Rivero (11, 18 y 25 de abril)
Gachi Rivero es bachiller de la facultad de Ciencias de la comunicación de la Universidad de Lima, actriz, locutora, animadora y comediante, miembro fundador del Club de la Comedia. En su unipersonal se presenta como la "chata" y aborda temas de su vida como las dietas, sus ex parejas, la infidelidad, las diferencias de género, entre otros.

El Guille dice – Unipersonal de Guillermo Castañeda (6, 13, 20 y 27 de junio)
Guillermo Castañeda es un actor y comediante conocido por sus participaciones en teatro, cine y televisión. En “El Guille Dice”, Guillermo nos relata su vida en distintas facetas que estarán expuestas al azar dentro de una ruleta. Como la vida misma. Infancia, Ser Chato, sus padres, las chicas, la adultez y demás temas son relatados con un el humor y la acidez que lo caracterizan.

Me llega al twitter – Unipersonal de Carlos Palma (5, 12, 19 y 26 de septiembre)
Carlos Palma es comunicador y comediante, egresado de la facultad de comunicación de la Universidad de Lima, director de El Club de la Comedia, conductor del programa Polizontes en Movistar Plus y de Pico a Pico en radio Studio92. Su unipersonal es una catarsis de la vida diaria. Carlos nos cuenta su experiencia de vida a través de situaciones cotidianas como el taxista que “no va”, la cola de “visitantes” en el banco o que te canten “Happy Birthday”.

Selfie - Unipersonal de Mateo Garrido – Lecca (7, 14, 21 y 28 de noviembre)
Mateo Garrido Lecca es un joven comediante, egresado de la Universidad de Lima, miembro del Club de la Comedia, agrupación de Stand Up más reconocida a nivel nacional. En su unipersonal hace referencia al manejo de las redes sociales y a su dependencia. Reflexiona con humor sobre la “generación selfie”, la última que creció disfrutando los momentos de la vida, sin necesidad de publicarlo.

CONCURSOS

TEATRO LAB II EDICIÓN
El segundo concurso nacional de dramaturgia TeatroLab busca continuar incentivando la labor creativa de los autores peruanos bajo el enfoque de la innovación y el planteamiento de nuevos lenguajes y propuestas de vanguardia. Asimismo, ofrece nuevos caminos para la producción teatral basada en obras de autores peruanos actuales. Las obras participantes serán evaluadas por un Jurado calificador conformado por tres personalidades del medio teatral. La obra ganadora recibirá un premio en efectivo de 6000 soles y será producida y montada por el Centro Cultural en la temporada del año 2019. Los participantes que ocupen los tres primeros puestos del concurso serán convocados a un laboratorio de dramaturgia, a cargo de profesionales del medio, que les permita mejorar sus textos. Estas versiones mejoradas de las obras serán publicadas.

La recepción de las obras será del 12 al 16 de marzo de 2018, de 10.00 a 18.00 horas, en la oficina del Centro Cultural de la Universidad de Lima.

Reestreno: HAMLET, PRÍNCIPE DE LA CORPORACIÓN DINAMARCA

Teatro Adolescentes (13 – 20 años)

El director del grupo Sfera Teatro, Luis Cardenas Trelles, dirige una versión contemporánea del príncipe más conocido del teatro shakespereano: Hamlet.

Hamlet, el director de la corporación Dinamarca ha sido asesinado por un grupo terrorista que planea destruir a líderes máximos de empresas. La dirección de la corporación ha pasado a manos de su hermano Claudio, quien además de tomar el poder, ha contraído matrimonio con la viuda de su hermano.  El hijo del antiguo director, Hamlet Jr., de 30 años se encuentra afectado por la reciente muerte de su padre. El Fantasma del director se presentará ante su hijo revelándole que el verdadero autor homicida de su muerte es su propio hermano y para descansar en paz, Hamlet Jr., deberá vengar su muerte. Así Hamlet Jr. buscará desenmascarar a su tío y buscar el momento oportuno de vengar a su padre.

Lo que fue la obra en sus 3 funciones:

EL GRUPO SE PREPARA PARA UNA FUNCIÓN ESPECIAL A PRECIO DE ESTUDIANTES, ATENTOS A LAS REDES SOCIALES Y A LA PÁGINA “SFERA TEATRO”.

Crítica: EL LORO PEREYRA

Un loro valiente

La Asociación Cultural Peruano Británica presenta, por una breve temporada del mes de febrero, un montaje de títeres dirigido para niños. Desde la Argentina viene “El Loro Pereyra”, bajo la dirección de Andrés Bach y la casi la sola interpretación del actor y titiritero Diego Hernán Suárez. Se trata de una obra que centra su narración en la lucha de un niño por liberar a su mejor amigo, un loro amigable y enamoradizo.

La función empieza con puntualidad, pero existe una ruptura de la “cuarta pared” teatral todo el tiempo. En primer lugar, el actor entra en escena, no poniéndose en ella, sino interactuando con el público y especialmente con los niños; un “olvido” de su micrófono es el punto de partida para empezar una serie de juegos y diálogos interesantes para “romper el hielo” entre el público. La escenografía, en un inicio, es un misterio, hasta que Diego decide que es el momento de que empiece el montaje donde se muestra el escenario; este es pequeño y es una reproducción del ambiente bucólico de la geografía de la estepa argentina, como dice Diego en alusión a su pueblo en la provincia de Entre Ríos.

Los títeres son realistas, pero no la exageran; tanto los personajes del niño, la mamá, el lobo y el cazador son realistas. Por otro lado, es destacable como Diego llega a generar los diálogos entre los personajes de manera tan natural y marcar cambios en la voz de los personajes que, por momentos, el espectador puede llegar a pensar que atrás del escenario hay varios titiriteros. A mitad de la obra, hay un cambio de escenario, en el cual se pasa del ambiente de la estancia (campo) a un bosque donde es capturado Pereyra. Para esto, Diego lo hace manualmente y se ve sus brazos, entonces por un momento se “rompe” el hilo escénico. Además, otra temática es la musicalización, esta es principalmente por escenas donde destaca el Loro Pereyra con su canción” Soy El Loro Pereyra y vivo en el Litoral”. La musicalización de distintas escenas son sobre la música tipo Chamamé, cantos vernaculares típicos del norte de la Argentina. Por momentos, la acción dramática final es previsible: un final feliz con el Loro Pereyra libre y enamorado, que emociona al público.

“El Loro Pereyra” es una obra muy recomendable para toda la familia y a pesar de su breve estreno, es importante para desmitificar que los montajes de títeres solo son para niños, sino para un público mayor y con un mensaje escénico profundo.

Enrique Pacheco
19 de febrero de 2018

Crítica: EL TÚNEL

Las caras de Juan Pablo Castel

El grupo de teatro argentino “La cuarta pared” nos ha visitado recientemente con una serie de montajes originales bajo el brazo. Dentro de esta lista está El túnel, una adaptación de la novela homónima de Ernesto Sábato dirigida por Guillermo Ale, donde el actor Ale Rafart encarna la voz de Juan Pablo Castel, el personaje principal y narrador de ambas versiones de la obra de Sábato.

El montaje contó con una serie de elementos que, visualmente, ayudaban a la construcción de imágenes que aportaban a la narración: el uso de un vestido para referirse a María, la amante del personaje; el uso de una máscara neutra echada en el piso para representar a dicha mujer echada, entre otros. El conjunto de elementos escenográficos permitían introducir al espectador en el mundo  de Juan Pablo Castel, quien desde el inicio se nos presenta  como un personaje retorcido, cuya forma de pensar meticulosa está representada en su manera de ver el arte al que se dedica (pintor). Una de las tareas de este montaje, a mi parecer, es el poder construir la imagen de María desde la perspectiva de Castel, un logro de la obra. La interpretación de  Ale Rafart estuvo a la altura: hubo una construcción específica de la corporalidad, pues incluso con gestos  como la forma de mirar o de caminar podíamos conocer la personalidad de Juan Pablo. Por otro lado, los momentos en los que el actor representaba a los personajes secundarios (María, el marido ciego) estuvieron logrados, pues era interesante ver cómo el actor cambiaba totalmente de corporalidad y de voz, recursos suficientes para añadirle matices a la narración.

En cuanto a la línea dramática de esta adaptación, hay muchos aspectos que tener en cuenta. En primer lugar, estamos hablando de una novela convertida a teatro, por lo que hay muchos códigos que han sido alterados. En el libro, la historia del personaje principal es contada por él mismo y logra un efecto atractivo cuando vamos conociendo cada nueva información que se va revelando. En el caso del montaje, el efecto sorpresa de cada detalle de la historia de Castel se perdía por momentos: hubo fragmentos del monólogo que se hacían largos de escuchar, incluso me atrevo a decir que hubo algunos textos que, de acuerdo a lo que yo entendí como estructura de la obra, podrían haber sido cortados. No se sintió que la historia fluía: algunas pausas, unas más largas que otras, no contribuyeron a la representación de manera positiva.

La reciente llegada a Lima de “La cuarta pared” con obras como El túnel o Eran ellas… o yo, dentro del contexto político en el que nos encontramos, es un regalo. Ambas obras tocan el tema del feminicidio sin asco y desde perspectivas distintas y necesarias. Es rescatable que se hagan obras de teatro donde se busque atacar los males sociales vigentes, con el fin de hacer despertar la conciencia social. Gracias a “La cuarta pared” por mostrarnos sus denuncias a través de su arte.

Stefany Olivos
19 de febrero de 2018

viernes, 16 de febrero de 2018

Entrevista: MANUEL CALDERÓN

“Tenemos que recuperar a nuestro ser poético”

Esperando a Godot (2017) de Samuel Beckett fue una de las temporadas de teatro clásico del absurdo más celebradas por publico y critica el año pasado, consiguiendo el premio de la encuesta de Oficio Crítico al Mejor actor para Manuel Calderón, quien cumple 31 años de actividad artística. “Le dimos un vuelo diferente a nuestra propuesta”, menciona en referencia a la puesta dirigida por Omar Del Águila. “Teníamos que jugar con otras dinámicas más inmediatas, en darle a la espera una actividad, que no quede como espacio vacío”. Manuel reconoce que como actor a veces es “absurdo”, pero que como profesor sí tiene todo estructurado. “Es la primera vez que hago teatro del absurdo, lo único que hice antes en ese rubro fue dirigir una obra de Sergio Arrau, Balseando con Edelmira (2001), que tenía mucho de ese estilo, para el primer festival de teatro del ICPNA”.

Los inicios en el arte

“En el colegio hice teatro en Secundaria, pero yo ubico mi inicio formal en 1987 en la carpa teatro del puente Santa Rosa”, recuerda Manuel, quien aceptó la convocatoria de Iván Olivares, en ese entonces profesor de psicología de academias pre-universitarias y alumno del Club de Teatro de Lima, para integrar el taller de su grupo llamado Constelación, en el referido espacio. “El alcalde Alfonso Barrantes facilitó este lugar (la carpa teatro) para gente de arte diverso, como teatro y danza para grupos independientes o “subtes”; un amigo me pasó la voz y entré a este taller, que en realidad fue un grupo de teatro básico”.

Ese mismo año, Manuel llega al Club de Teatro y conoce a su director, el señor Reynaldo D’Amore. “Fue mi maestro, mi padre putativo, al que quiero mucho; él me enseñó la pasión, la entrega, la disciplina y el compromiso con lo que haces; más allá de lo que se pueda decir del maestro, estaba comprometido con el teatro”. Fueron varios los profesores del Club que marcaron la vida profesional de Manuel. “De Sergio Arrau aprendí a jugar, a leer, a conocer y entender el teatro, pero él siempre relajándose y disfrutando”. Por otro lado, la profesora Eugenia Ende trabajó con Manuel a nivel del cuerpo; y Efraín Rajman, en la dirección de uno de los montajes más emblemáticos del Club, Heredarás el viento (1989). Gregor Díaz, también conocido por su producción dramática, dirigió a Manuel en el montaje que considera como el más relevante en su paso por el mencionado centro de estudios, Gregor vs Gregor (1988). “Rescato de Gregor su forma de decir lo que sentía, ya que todas sus obras tienen que ver con sus complejos, con su ser interior, con la relación que tenía con Lima como provinciano, él le puso una cuota social a su teatro”. 

Manuel termina de estudiar en el Club en 1989 y en el verano del año siguiente, lleva el curso de Pedagogía teatral con el señor D’Amore. “Me interesaba la docencia y Reynaldo tenía una gran sensibilidad para enseñar”, rememora. “Al terminar el curso, tuve con él charlas larguísimas, hasta que un día me dijo: ¿Quieres enseñar?, tengo un grupo de adolescentes, ¿quieres o no? Así empecé, dictando el curso de adolescentes y luego el Primer Año”. Posteriormente, Manuel se retiraría del Club y les cedería la posta a Paco Caparó y Pold Gastello, quienes actualmente se encuentran en la directiva del Club.

“En 1990, entro a la escuela de Quinta Rueda, en un taller intensivo de un año dictado por Ruth Escudero (mi madre putativa del teatro), y con compañeros como Elsa Oliveros, Carlos Mendoza, Patricia Riera y otros muchachos más”, recuerda Manuel. “Solo pagamos inscripción, ya que contábamos con auspicio; dimos examen de cuerpo, de voz, de actuación, de conocimientos y una entrevista personal”. Allí tuvo como profesores a Walter Zambrano, Ana Correa y Ruth Escudero. Con esta última, se abrió la Escuela de Quinta Rueda, que duró solo un par de años. “En 1993, gané una beca y viajé a Cuba a hacer un taller intensivo en la EITALC (Escuela Interamericana de Teatro para América Latina y el Caribe), y al año siguiente entro a trabajar en el Instituto Charles Chaplin hasta el 2008”. Manuel no solo continuó actuando, sino también dirigiendo, como la puesta en escena de Tartufo (1994), con versión de Roberto Cossa en la Alianza Francesa, con Paco Caparó, Giovanni Ciccia, Patricia Romero, Pold Gastello, Juan Carlos Díaz, entre otros. “También estudié e hice un taller con Alberto Isola como alumno y dos como asistente suyo; participé en  talleres con Integro, IMPRO con Francois Vallaeys y Clown en Pataclaun; además, estudié Pedagogía Teatral en la ENSAD, así como muchos otros cursos y talleres”. Aparte de siempre estar atento a los diferentes talleres para continuar reforzando su trabajo, Manuel ha trabajado con diferentes grupos de teatro , entre ellos, Cuatrotablas, bajo la dirección de su amigo Mario Delgado, y Teatro del Sol, con Bruno Ortiz, con quien también hizo la película Rehenes.

Los requisitos para actuar y dirigir

Para Manuel, un buen actor de teatro debe tener ciertas cualidades. “Tener compromiso y humildad en el trabajo, aceptar que si no te sale, no te sale; tú eres parte del teatro, el teatro no eres tú; además, tener sensibilidad, que es la intuición”. Afirma también que la técnica se aprende, pero la sensibilidad y la intuición recaen en el actor. “Para mí, el talento no existe, es un concepto más bien abstracto, se le llama así a un grupo de capacidades y destrezas que se encaminan al dominio para hacer algo, en todo caso, el talento es esa sensibilidad que viene contigo, la intuición”. Por otro lado, un buen director de teatro debe “tener sensibilidad para percibir y organizar, un buen manejo de grupo y además, conocimientos, cultura general”.

Manuel viene colaborando estrechamente con la Asociación de Artistas Aficionados (AAA); justamente, una de esas primeras obras fue El soplador de estrellas (2011) de Ricardo Talento. “Esa obra salió de la nada”, reconoce divertido. “En la AAA, estábamos un grupo de actores desocupados conversando y surge la posibilidad de hacer un taller laboratorio, fuimos quedando al final Yazmín Loayza, Ximena Arroyo y yo”. Un pedido para hacer una obra para Navidad para un evento, motivó que los tres prepararan la obra en cuestión. “Yazmín ya tenía esta obra para dos actores, ella dirigiría y Ximena actuaría conmigo; la hicimos para ese  evento, pero después nos dijimos que valía la pena ponerla en la AAA, en la calle y se volvió itinerante”. El soplador de estrellas participó en la Muestra Nacional de Teatro en Tacna y sigue presentándose de manera intermitente hasta la fecha.

Para Ximena Arroyo, Manuel solo tiene palabras de aprecio y admiración. “Con Ximena actuamos en El zoológico de cristal (1990), junto a su madre Sonia Seminario; desde entonces nos volvimos hermanos”. Posteriormente, en el 2004, coincidieron en el taller dictado por Isola. Y en 2011 sería dirigido por ella en Yerma… mujer que no se habita. “En todos los ámbitos, como directora de la AAA, compañera de tablas y directora teatral, hay una relación muy especial: nos queremos mucho, aunque a veces también chocamos, pero luego nos perdonamos”, admite. “Ximena es perfeccionista, además, nos comunicamos bien en escena y eso ha surgido naturalmente, hay empatía y sensibilidad el uno con el otro; cuando uno se pierde, el otro lo apoya”.

La importancia del arte

Manuel cita al filósofo Edgar Morin con respecto a la importancia del arte: “En nosotros coexisten dos seres, el del estado prosaico y el del estado poético; esos dos seres constituyen nuestro ser, son sus dos polaridades, necesarias una para la otra: si no hubiera prosa no habría poesía, el estado poético no se manifiesta como tal sino en relación con el estado prosaico”. Es decir, el ser humano es un ser poético al nacer, es puro y sensible, que valora las cosas simples. “Pero conforme crecemos nos volvemos prosaicos”, reflexiona Manuel. “Tenemos que sobrevivir, preocuparnos por el trabajo y la plata; nos hemos convertido demasiado en seres prosaicos y nos hemos olvidado del ser poético, el ser sensible, ese es el que tenemos que recuperar”. El arte, para Manuel, debe ser el ámbito en el que el ser poético se recupera, porque se recuperan la inocencia y la humildad, el ser primitivo. “Y esa es la gran misión con mis alumnos”, afirma. “El ser prosaico está bien, pero se debe buscar un equilibrio con su ser poético”.

Como actor, Manuel asegura tener una misión consigo mismo y con su entorno más cercano, que es el público que asiste al teatro. “También he hecho cine, este año se estrena una película que hice con Aldo Miyashiro llamada Sangra, Grita, Late; pero yo estoy muy relacionado con el teatro”. Manuel no busca darle al espectador un mensaje en sí, pero sí sensibilizarlo. “En su esencia más pura, el arte tiene funciones, como la de hacer que el público empiece a ver más allá, la de sintetizar aspectos de la realidad para que el público vaya a su casa con una reflexión, la de conectar a la gente con el mundo real”. Manuel tiene un proyecto de enseñanza teatral llamado CAUCE, al quiere dedicarse este año. “Es un espacio pedagógico de investigación teatral, todavía no físico, que busco promocionar; pero por el momento, estoy dedicado a la docencia en los talleres de la AAA y al curso de Teatro en el Colegio Antares para chicos con problemas de aprendizaje”, concluye.

Sergio Velarde
15 de febrero de 2018

jueves, 15 de febrero de 2018

Estreno: LIMA DE VERAS

Se presentará en el Centro Español del Perú

La pieza mezcla valses en vivo y es estelarizada por Reynaldo Arenas.
Funciones serán este 17 y 18 de febrero en el Centro Español del Perú.

Con el propósito de rescatar una visión de esperanza por sobre la adversidad y a la vez, fomentar el aprecio por nuestros valores culturales como ciudad,  se presenta la obra LIMA DE VERAS, escrita y dirigida por María Elena Mayurí, profesional de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú. La obra mezcla teatro y música criolla en vivo, y está compuesta por un gran elenco encabezado por el Primer Actor Nacional Reynaldo Arenas. La obra nos conduce a contrapuntos entre los años ochenta y los años cuarenta, tocando temas como la  dura realidad del terrorismo, las amplias brechas sociales, el empoderamiento de la mujer en la vida laboral y la amabilidad de una Lima antigua versus  las prisas de la Lima moderna, todo ello, enmarcado por un rico criollismo presente en su música y costumbres. 

La obra, divertida y dramática a la vez, se presentará en únicas funciones este sábado 17 y domingo 18 de febrero en el teatro Federico García Lorca del Centro Español del Perú, a las ocho de la noche.  Las entradas se pondrán a la venta en la misma boletería del teatro, dos horas antes de cada función. El elenco completo está integrado por: Reynaldo Arenas, Onasis Toro, Carlos Garazatúa, Pilar Astete, Freddy Ochoa, Claudia Burga, Frank Agurto y la propia autora. La música en vivo serán conocidos valses peruanos ejecutados a guitarra y cajón a cargo del dueto criollo “Destila Perú”, integrado por Milton Zevallos y Juan Pablo Mayurí.

Sinopsis: “Lima de Veras”
Son las fiestas patrias de 1986, en medio de una Lima resquebrajada por los toques de queda y coches bomba, Augusto se reúne en un bar con su amigo Gustavo para “celebrar” su inminente divorcio, sin embargo, no será por falta de amor. A unas cuadras, Mercedes, su mujer, empaca sus cosas, apoyada por su amiga Valeria, tratando de despedir “así nomás y sin lucharla”, varios años de felicidad. Entre estos hechos,  la ciudad,  como sus corazones,  se queda sin luz una vez más.  En contraste, un viejo abogado asiduo al  bar, Luis Enrique, recuerda con nostalgia el inmenso amor por Mechita, su mujer, y de pasada, recuerdos de una Lima muy distinta, donde sí se luchaba por el amor y donde no había violencia, animando a Augusto a cuestionar su decisión.

Contactos entrevistas: 98912888 (Juan José Ramírez, Productor)
993867415 /María Elena Mayurí

miércoles, 14 de febrero de 2018

Estreno: LOS FABULATAS 2 Y LA MÁQUINA LEGENDARIA

¡Vuelven con más aventuras!

Comandados por Hubert (Manuel Gold), Clora (Jely Reátegui), María Belén (Patricia Barreto), Percy (César García) y el Sr. F (Rodrigo Zalles). Con la dirección de Paloma Reyes de Sá y la producción de Pamela Stewart.

Desde el 17 de marzo, los sábados y domingos a las 3 y 30 de la tarde en el teatro Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional, de San Borja.

¡Los Fabulatas vuelven con más aventuras! “Los Fabulatas 2 y la máquina legendaria” se presentará, desde el 17 de marzo del 2018, los sábados y domingos a las 3 y 30 de la tarde en el teatro Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional, de San Borja.

El club de Los Fabulatas creará una máquina que llevará a sus integrantes a conocer el origen del universo, de los dioses de la India, Brahma y Maya, y la importancia del martillo de Thor; le devolverán la sonrisa a la diosa japonesa Amaterasu; y verán cómo Medusa, monstruo mitológico griego, se transforma en piedra.

Los Fabulatas, comandados por Hubert (Manuel Gold), Clora (Jely Reátegui), María Belén (Patricia Barreto), Percy (César García) y el Sr. F (Rodrigo Zalles), es una puesta en escena familiar, con participación directa de los asistentes, de adaptaciones libres de fábulas, mitos y leyendas de culturas alrededor del planeta.

Este es el tercer espectáculo conceptualizado por la dupla Paloma Reyes de Sá (directora) y Pamela Stewart (productora). La búsqueda luego de “Esto es Magia” y “Los Fabulatas”, es crear conciencia en el público respecto a que todas las cosas pueden ser transformadas, incluso uno mismo. Y todo esto con la ayuda de objetos reciclados, reusados, la imaginación y muchas ganas de jugar. Se busca que, a la par de esta experiencia teatral, la familia utilice las herramientas que son colocadas en escena para que exploren en casa la creatividad, el gusto por la lectura y el placer por descubrir el mundo.

Antes empezar el espectáculo, los niños y sus padres colaborarán con la historia, armando objetos con materiales reciclados que los actores usarán en el escenario para contar los cuentos. La imaginación de todos los presentes contribuye con el tema que se tratará sobre las tablas. “Los Fabulatas 2 y la máquina legendaria” va desde el 17 de marzo al 13 de mayo del 2018, los sábados y domingos a las 3 y 30 de la tarde en el teatro Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional (Avenida De La Poesía 160 - San Borja).

Las entradas están a la venta en Entradas en Teleticket.

LOS FABULATAS 2 Y LA MÁQUINA LEGENDARIA
Teatro Auditorio Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional
Del 17 de marzo al 13 de mayo
Sábados y Domingos 3:30 p.m.

Entradas en Teleticket
Pre venta Platea adulto: S/. 34.00
Pre venta Platea niño: S/. 22.00
Platea general: S/. 44.00
Platea niño: S/. 27.00
Combo 1 Platea: S/. 121.00 *** Promoción para 2 adultos y 2 niños
Combo 2 Platea: S/. 154.00 *** Promoción para 2 adultos y 4 niños
Mezanine general: S/. 34.00
Mezanine niño: S/. 22.00

Reestreno: ME TOCA SER EL NENE ESTA NOCHE

Escrita y dirigida por Cristian Lévano

Una obra que nos cuenta sobre el verdadero valor de la amistad rescatando temas como la discriminación y la violencia ejercida contra las minorías de una manera cercana.

Del 09 de marzo al 01 de abril
viernes y sábados 8:00p.m. - domingos 7:00p.m.
Teatro de la AAA (Jr. Ica 323, Lima)
Boletería: S/.25 (entrada general) y S/.15 (estudiantes).

ME TOCA SER EL NENE ESTA NOCHE es una historia que muestra de una manera surrealista y cruel una realidad que nos afecta a todos, pero a la que aún no ponemos alto en nuestra sociedad. Tocado temas como la violencia infantil, violación, feminicidio, etc.

La obra se desarrolla en un sótano donde encontramos a dos pícaros personajes que subsisten dentro del misterio de no poder salir de ese lugar o no querer hacerlo, teniendo encuentros con otros dos personajes femeninos que harán notar y dar sentido a lo que está sucediendo con ellos. En esta divertida travesía conocerán el valor de la amistad y la fortaleza de poder superar los problemas juntos.

Actúan Sergio Ota, Herbert Corimanya, Kelly Estrada y Alejandra Chávez. La temporada va desde el 09 de marzo hasta el 01 de abril los viernes y sábados a las 8:00 p.m y domingos a las 7:00 p.m. en el Teatro de la AAA (Jr. Ica 323, Lima). Entradas a la venta en acwiaray@gmail.com o en el mismo Teatro una hora antes de funciones a S/.25 (entrada general) y S/.15 (estudiantes).

Sobre el director
Es actor egresado de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático ENSAD, funda el grupo WINARAY, escribe y estrena 6 de sus obras en los años continuos a la fundación, entre las más destacadas la primera producción Winaray : “¿Qué hiciste Diego Diaz?”. Ha participado en diversos festivales internacionales en Ecuador, Chile y Colombia con obras bajo su dirección. En televisión actuó en miniseries para “Del Barrio Producciones” escribió y dirigió la exitosa obra musical “Mi amor el wachiman” para la misma productora. Escribió y dirigió el cortometraje “Los 4 jinetes del eucalipto” el cual participo en el 19 ° Festival de cine de Lima.

martes, 13 de febrero de 2018

Entrevista: PALOMA REYES DE SÁ

“Descubrir el payaso dentro de ti es transformador”

“He encontrado un grupo de gente increíble para trabajar”, nos comenta la artista brasilera Paloma Reyes de Sá, ganadora del premio del jurado de Oficio Crítico por su trabajo de dirección en Armando equipaje (2017), en compañía de Carol Hernández. El sólido elenco que ha venido acompañando a Paloma en sus aventuras teatrales, entre quienes se encuentran Manuel Gold, Cesar García, Jely Reátegui  y Fiorella Kollmann, por citar algunos, le ha permitido dirigir un puñado de puestas en escena tan divertidas como interesantes, como Los Fabulatas (2013) y sus posteriores reestrenos;  el unipersonal Mi nombre es 23 (2015); o Casi Don Quijote (2016). “Es gente demasiado creativa, apasionada, con la que tengo mucha afinidad no solo en ideología, sino también en cómo nos manejamos en el humor”.

Inicio en Rio

Desde muy pequeña, Paloma se interesó por el teatro, especialmente teniendo como padres a dos artistas plásticos y además, actores callejeros. “Conviví desde siempre con el mundo del arte y la música”. A diferencia de nuestros colegios, en Rio de Janeiro el teatro sí es una materia importante, especialmente en escuelas alternativas. “No pensaba que iba a ser profesional de teatro”, recuerda Paloma. “Pero me dejaba con mucha ilusión, porque era una persona muy tímida; ser otra persona me daba múltiples posibilidades”. Ella admite que no tenía muchos amigos, pero sí muchos miedos y vergüenza. “El teatro me abrió posibilidades de hacer cosas nuevas, de conocer gente, de sentirme más cómoda conmigo misma”.

A los 13 años, en 1991, Paloma decide profesionalizarse y llevó un curso mucho más intenso y más profesional. “Mi vida de colegio fue una locura, yo lo dejé por el teatro, después tuve que regresar para completar mis estudios”, rememora. Su madre siempre la apoyaba, pero no precisamente para que deje el colegio. “Fue una cosa radical mía; pero después empiezo la carrera profesional de teatro en la Casa das Artes de Laranjeiras en Rio de Janeiro”.  En el mencionado centro de estudios, Paloma afina su creatividad en el arte, especialmente en base al trabajo del clown, además de cultivar su gusto musical, que perdura hasta ahora en sus montajes como directora.

Beneficios de la música, el clown y a improvisación

“Para un actor es muy importante el tener nociones  de música”, menciona Paloma. “El teatro es ritmo,  vive de un pulso; si el actor no entiende ese pulso, entonces es difícil que encaje”. Entender la pulsación de las escenas conscientemente es, para Paloma, un requisito básico. “Cuando marco a un actor sin habilidad musical es más “titireteado”; en cambio el otro, entiende mejor la comedia. La comedia es romper ritmos, el timing es muy importante”. Paloma viene de una formación especializada en clown en Brasil, ya que es obligatorio: si te formas como actor casi siempre te formas como clown. “Ahí  fue que elegí ser payasa para siempre, mi primer maestro Thierry Tremouroux fue el que me encaminó en aquella época: el humor es donde me sentí más plena”. El clown es visto por Paloma como el punto de partida del humor; es muy esencial, ya que es entrar en contacto con la verdad del actor. “Ahí es donde conoces tu fragilidad, tu inocencia y donde rompes tus esquemas limitantes; el humor para mí lo es todo, por eso todos mis espectáculos son de humor”.

Por otro lado, Paloma considera a la improvisación como parte importante del proceso creativo. “Desde que empecé a dirigir, con Mi querida neurosis (2008) con Fiorella Kollmann, las escenas las armábamos en base a la improvisación, y después empezábamos a fijar para ver qué es lo que valía la pena”. Para Paloma, el mundo absurdo del payaso puede llegar a ser “muy pastrulo, si no lo cuadras, porque entonces nadie entiende; hay que revisar siempre”. Y es que Paloma, como directora, cree mucho en la impro, afianzando las escenas y situaciones, fijando lo improvisado en los ensayos. “Salvo en espectáculos como Armando equipaje, en el que hay momentos ya pactados para ser básicamente improvisación”.

Paloma recomienda que todo actor debiera llevar talleres de clown e improvisación, debido a los múltiples beneficios que traen estas disciplinas. “El payaso es un ser vivo dentro de ti y  descubrirlo es transformador”, analiza. “Es maravilloso aceptar tu ridículo como persona, descubrir cuáles son tus neurosis, tus miedos más profundos o tus sueños, y luego exponerlos dentro del personaje”. Esta técnica permite múltiples rangos de actuación, ya que se está en un estado de juego, que es el más genuino con el que se puede estar en escena. “Si lo entiendes, lo puedes trasladar a cualquier personaje, te deja pulsando en escena, y el público dice: ¡Eso es real!, porque el actor está en estado de trance, en el estado del payaso”. En contraste, la improvisación es el estado de libertad plena del actor. “Todo el mundo  hace impro; por ejemplo, si vas a leer un texto por primera vez, ya estás improvisando una forma de hablar. Crear es improvisar. Investigar esta técnica y utilizarla hace que crezcas como artista”.

Actuación, dirección y dramaturgia

“Un buen actor de teatro debe tener pasión, disciplina y divertirse con lo que hace”, asegura Paloma. Agrega además, que ella no cree en el talento. “La disciplina y la pasión hacen el talento,  son dos ingredientes infaltables. La pasión hace que el actor tenga disciplina, que investigue, que sea puntual, que respete, que vuelva a intentar; en cambio, uno con talento y sin disciplina, no hace caso, llega tarde, y no vale”. Como directora, Paloma se autodefine caótica, pero esperaría de un director que la provoque, que sea apasionado y que literalmente, la alimente con su pasión. “Quiero que me rete, que sea loco, tiene que tener un poco de locura”.

Paloma afirma vivir en el mundo al revés, como directora, ya que en su mundo del payaso, nunca sabe nada de las escenas cuando empieza a dirigir un espectáculo. “Yo tengo una idea base, por ejemplo, hacemos el Quijote con actores que van a ser fracasados y no van a lograr hacer la historia; también me gustaría tener un tren, ¿por qué?, no tengo idea (ríe), se me vienen ideas sueltas y yo armo el rompecabezas”. Ese es el punto de partida y lo demás, Paloma lo trabaja en conjunto. “Creo que el trabajo en equipo y creación colectiva hacen que el montaje sea más genuino y verdadero, sembrando con semillas que los actores aportan y así va creciendo un árbol de mezclas con todos los sabores”. Obviamente, después de ese proceso creativo, llega el momento más duro para Paloma, que es el de eliminar cosas, ya que puede tener espectáculos de cinco horas. “Entras a limpiar y buscar pepitas de oro de la creación y se va acomodando y armando”.

La reciente polémica sobre el final cambiado de la ópera Carmen mereció la siguiente opinión de Paloma: “Puedes coger Carmen y hacer lo que quieras, es del dominio público”. Ella recuerda haber hecho un video de 5 minutos de Carmen, dentro de una secuencia para niños en programa de televisión en el Perú. “Se llamaba Ópera prima, con óperas transformadas en clown; nadie se picó, ¿entiendes? (ríe); ahora, si solo cambió el final para ser políticamente correcto, es su decisión, está experimentando y es chévere que quiera transformar el mundo”. Paloma ha adaptado cuentos, relatos y mitos antiguos que todos conocen para sus puestas en escena. "Transformo los personajes para que comuniquen lo que queremos comunicar, como una herramienta, y porque es divertido: yo hago parodia, que es la adaptación de las cosas”. Por su parte, Paloma asegura no molestarse si otros artistas cambian sus espectáculos ya escritos. “No creo que  me vaya a picar si me los cambian, sería ridículo en mi caso”.

La elección del artista

En épocas tan difíciles como las que nos toca vivir actualmente, el arte debería servir como un ente transformador en el público, para que sea mejor cada día. “Pero la responsabilidad es para quien la quiera tener, no es algo obligado, yo no juzgo”, reflexiona Paloma. “En mis obras siempre vas a ver algo de transformación social, porque eso es parte de mí”. Desde niña, Paloma ha sido políticamente muy consciente, al igual que sus padres. “Es parte de lo que yo quiero sembrar en el mundo; si en un momento ya no lo quiero hacer, pues no siento esa responsabilidad; yo lo hago porque es parte de mi personalidad”. Y es que así lo podemos apreciar en sus montajes: en Casi Don Quijote, los personajes son discriminados porque son diferentes; en Los Fabulatas se habla muchísimo de reciclar, de cómo jugar de manera que no sea dañino para el medo ambiente. “Yo fui voluntaria en Greenpeace a los 13 años, lo que me importa yo lo pongo en mis espectáculos”.

Paloma menciona que sus proyectos para este año serán un montón de reposiciones. “Para descansar mi cerebro un ratito (ríe), pero sí tengo un proyecto nuevo, que no es teatro, con Saskia Bernaola”. Los Fabulatas 2 y la Máquina Legendaria se estrenará en marzo; Casi Don Quijote volverá en setiembre, así como la comedia El primer caso de Black & Jack (2017); y además, Mi querida neurosis, unipersonal que cumple 10 años de estrenado, también regresará a escena. “Y por supuesto, seguimos con la escuela de Gestus en la Payacasa de Barranco, dictando talleres de impro, clown, técnicas corporales, de máscaras y así todo el año, tanto para principiantes como para actores profesionales, que quieran empaparse de estas  y otras técnicas escénicas”, finaliza.

Sergio Velarde
13 de febrero de 2018