martes, 22 de mayo de 2018

Estreno: CON AMOR


Escrita y dirigida por Daniel Fernández

POR ORGULLO Y CON AMOR
Con las actuaciones de Gabriel Gil-Sanllehí y Bruno Espejo.

¿Podrá un "choque y fuga" clandestino llenarse de amor?, es la interrogante que plantea Daniel Fernández en Con amor, obra escrita y dirigida, próxima a estrenarse el 31 de mayo en la Hora Golfa de la temporada Por orgullo en Microteatro Lima.

Daniel Fernández, Sol Moscoso y Adriana del Águila integran Vive Producciones, colectivo que ingresa al circuito cultural con una puesta en escena llena de humor. Gabriel Gil-Sanllehí y Bruno Espejo protagonizan esta obra de 15 minutos que narra la historia de un hombre virgen ha renunciado a esperar al amor de su vida para tener su ansiada primera vez, pero a lo que no ha renunciado es que sea especial, que sea con amor.

Daniel Fernádez, escribió “El arcoíris en las manos”, obra ganadora del tercer puesto del Concurso Nacional Nueva Dramaturgia Peruana 2015 del Ministerio de Cultura, estrenada en el Centro Cultural Ricardo Palma el año 2017 y llevada al Festival de Artes Escénicas de Lima 2018. Además, ha participado en el equipo de producción de obras nacionales como “Bolognesi en Arica”, “Tu madre, la Concho”, “Bajo la Batalla de Miraflores” y “Perro de familia”. La obra “Con amor”, escrita por él mismo, marca su debut como director.  

Datos de la temporada
Funciones: jueves, viernes y sábados del 31 de mayo al 30 de junio.
Hora Golfa – Sala 2 (5 funciones al día): 11:05 p.m. - 11:30 p.m. - 11:55 p.m. - 12:20 a.m. - 12:45 a.m.
Lugar: Microteatro Lima (Jr. Batallón Ayacucho 271, Barranco).
Autor: Daniel Fernández
Director: Daniel Fernández
Actúan: Gabriel Gil-Sanllehí y Bruno Espejo.

Entrada: S/. 16 (general) y S/. 13 (estudiantes).
Venta de entradas en Atrápalo y en la boletería del Microteatro.

Rony López Mija
Director – ERRE PR & MUSIC
947158956

lunes, 21 de mayo de 2018

Crítica: GRANDES INTENCIONES


¡Grandes acciones!

Sobre el escenario, seis artistas se preparan (cantando) para iniciar la función; el telón, símbolo inconfundible del teatro, sirve como marco perfecto para el inicio de la obra Grandes Intenciones, escrita y dirigida por Federico Abrill.

Una peculiar comedia, que muestra la historia de cinco vecinos, quienes no se conocen entre sí; solo saben que la vecina del 101 prende la radio cada mañana y a la misma hora, despertándolos a todos. Sin embargo, un acontecimiento –la desaparición de la vecina del 101- los llevará a conocerse, cambiando sus rutinas, así como los aspectos más profundos de sus vidas.

El montaje propone un espacio sencillo, compuesto por una puerta, que será utilizada para la mayoría de escenas. El trabajo en sí, se encuentra a cargo de los actores, quienes utilizando elementos de utilería básicos conectan muy bien a nivel de grupo. Las escenas trascurren entre el pasado y el presente, con una acertada dirección que permitía entender la secuencia de la historia. La mezcla entre la narración en vivo y la ejecución de la acción se logra correctamente. Siendo un elemento que suma, la música aporta dinámica y carga emocional a las representaciones.

La puesta tiene características particulares, es decir, no es una propuesta común, lo cual la hace muy meritoria, pues no es sencillo lograr una armonía contando con detalles como: la música, la improvisación bien lograda, el movimiento escénico y la narración. Considero que en el riesgo estuvo el acierto: el hecho de estructurar una obra divertida y diferente es el eje que hace funcionar a la narrativa. Mención aparte, las interpretaciones naturales y aplomadas de los personajes, que son otro ingrediente importante. El elenco conformado por Fernando Castañeda –con una gran versatilidad gestual-, Tamara Padilla –muy correcta en sus ejecuciones-, Roxana Cavero –llevando dos papeles con destreza-, Gretta Lisboa –con un buen dominio del espacio-, Renato Pantigoso –quien posee un don natural para la comedia- y José Miguel Ríos –con un talento para tocar, cantar y actuar sincronizando con acierto-, denota un trabajo consistente.

Por otro lado, el contenido que se encuentra en la obra es actual: la desconexión y la rutina en las que vivimos sumergidos día a día, así como la poca comprensión y empatía entre unos y otros, se reflejan claramente; situación que es revertida por las grandes acciones de aquella vecina del 101, quien lejos de querer incomodar a sus vecinos, se preocupaba por ellos sin que se dieran cuenta. Por estas razones, Grandes Intenciones merece ser vista, ya que será un viaje muy placentero y conmovedor para el espectador.

Maria Cristina Mory Cárdenas
21 de mayo de 2018

domingo, 20 de mayo de 2018

Taller: INTRODUCCIÓN A LAS MÁSCARAS TEATRALES


Universidad Nacional de Trujillo

Del 21 al 24 de mayo se desarrollará en la Universidad Nacional de Trujillo (Salón TUT) un imperdible taller de introducción a las máscaras teatrales bajo la pedagogía de J. lecoq.
Se Iniciara con las máscaras larvarias  que nos introducirán al mundo de las máscaras de carácter o expresiva.

¡No se lo pierdan!

Sobre el tallerista; Diego Abadie, formación en la Escuela Internacional de Creación Teatral y movimiento - Cabuia Argentina, formación en Teatro físico, Clown y Máscaras.

Días: Del 21 al 24 de mayo.
Hora: 03:30pm a 06:00pm
Lugar: Salón TUT de la Universidad Nacional De trujillo.
Coste: 100 soles público en general
            80 soles miembros del TUT.

Informes e inscripciones: samay.teatro@gmail.com
943594183 - Diego Abadie

Estreno: EXPERIMENTO PARANORMAL


El público no podrá distinguir la ilusión de la realidad en este impresionante unipersonal

Con el campeón nacional de Magia e Ilusionismo, Pierre El Ilusionista
Acércate a lo desconocido.

Del 31 de mayo al 10 de junio, de jueves a domingo, en el Teatro Racional de Barranco.

¡Forma parte de un “Experimento paranormal”! Desde el jueves 31, el campeón nacional de Magia e Ilusionismo, Pierre El Ilusionista, presentará en el Teatro Racional, de Barranco, su primer unipersonal llamado “Experimento paranormal”, una experiencia íntima a través de la cual el público tendrá un acercamiento a lo desconocido.

Los espectadores no podrán distinguir entre la realidad y fantasía. “Experimento paranormal” pretende borrar la delgada línea que divide la ilusión de la realidad: Mentalismo, telepatía, psicoquinesis y telequinesis son los componentes de este impresionante espectáculo.

Una exquisita y cuidada puesta en escena, con un alto nivel de calidad, mantendrá a los presentes al filo de sus asientos durante aproximadamente una hora, logrando que los asistentes vivan la magia en su estado más puro. “Experimento paranormal” es apto para mayores de 12 años de edad.

“Experimento paranormal” reúne diez de los mejores actos de mentalismo e ilusionismo desarrollados por Pierre El ilusionista a lo largo de diez años de carrera, entre ellos uno que le otorgó el primer lugar en la categoría de invención del Inka Magic, y que cautivó al mago Criss Angel.

"Experimento paranormal” va del 31 de mayo al 10 de junio del 2018, de jueves a sábado a las 8 de la noche, y domingo a las 7 de la noche en el Teatro Racional (Avenida Balta 170 – Barranco). Las entradas están a la venta en Joinnus, Atrápalo y en boletería del teatro a 50 soles (general). Hay preventa a 40 soles.

Arturo Paredes
V&V comunicaciones
Prensa, RRPP
Oficina: (511) 4463001
Celulares: 992825547 

Taller: SÁCATE EL CLAVO


IMPRO PARA ENFRENTAR LA INCERTIDUMBRE

Este 21 de mayo empieza el taller “Sácate el clavo” dirigido por Alex Mori y organizado por Tomate Arte escénico.

La Impro es más que una técnica teatral, también puede ser una herramienta para que las personas puedan afrontar diferentes circunstancias en la vida diaria sin miedo a la incertidumbre ni a la frustración. Tomate Arte Escénico organiza el taller Sácate el clavo el cual inicia este lunes 21 de Mayo con una duración de 9 semanas.

En la Impro de forma lúdica cada escena se construye al instante, no necesita  escenografía ni guión se trata de construir,  o mejor dicho, ir descubriendo una historia de forma espontánea y colaborativa. Por esta razón la Impro tiene la cualidad de estimular la percepción de quienes la practican, así como la capacidad de iniciativa y sobre todo la creatividad, al enfrentarnos a la incertidumbre con la disposición de descubrir.

jueves, 17 de mayo de 2018

Taller: LA TRIBU ESCENA


Dirige: Patricio Villavicencio

TALLER MONTAJE DE ACTUACIÓN
Taller dirigido a estudiantes, actores y aficionados que deseen explorar el mundo teatral desde las técnicas y el proceso creativo hasta el montaje de una obra que se escogerá según las características de los participantes.

El taller consiste en:
El manejo de la voz y cuerpo (reconocimiento de espacio y práctica y desarrollo de la respiración y proyección de voz.
Búsqueda y análisis de la acción en escena (acción /reacción/ punto de vista/ objetivo)
La improvisación como juego escénico.
Trabajo de escenas de conflicto con parejas.
Trabajo y lectura de mesa con textos reales.
Tratamiento final hacia el montaje teatral.

Inicio: 28 de mayo
Duración: 04 meses
Edad: 17 a más.
Horario: lunes y miércoles de 7:30p.m. a 9:30p.m.

Lugar: Casa Cultural Mocha Graña (Av. Sáenz Peña Nº 107 – Barranco)
Inversión: s/.250.00 mensual.

Los pagos se realizarán mediante depósito a la cuenta ahorros soles del BANCO CONTINENTAL Nª 0011-0521-0200102838 a nombre de María Morales Castro. Luego enviar el voucher al correo electrónico: info@mochacultural.com solicitando a la vez su ficha de inscripción.

Crítica: SANSEACABÓ Y EL ÚLTIMO REFUGIO


Los niños de la Ciudad Gris

“Sanseacabó y el último Refugio” es el resultado del trabajo del dramaturgo peruano Miguel Álvarez Aguirre en coproducción con la asociación cultural Malajuntas. Cuenta con las actuaciones de Alejandra Bouroncle, Irene Eyzaguirre, Vian L. King, Diego Pérez, Rosella Roggero, Diego Sakuray y Stefano Salvini.

El nombre de la obra es un juego de palabras de origen confuso pero muy usado, según Ricardo Palma, en la Lima del siglo XIX. Es una expresión que se usa en un contexto de exclamación, dentro del relato de una serie de sucesos que pasan desapercibidos, exactamente como los de esta puesta en escena. Todo se ambienta en una ciudad gris y triste, donde un antagonista, el gran Sanseacabó (Stefano Salvini), trata de capturar a la mencionada urbe y convertirla eternamente en un lugar sin alegría ni gracia; evidentemente, se hace referencia a la ciudad de Lima. Alejandra Bouroncle, gran actriz de improvisación, representa a la miembro de una pandilla urbana que trata de impedir estos malvados planes y que se caracteriza por su buen corazón. Se trata de niños, que con candidez e ingenuidad, entran en situaciones hilarantes con los secuaces de Sanseacabó, como una señora bruja, Cachivache, y su gato malo, Grakus.

Los actores ejercen un dominio escénico magnífico, de tal manera que el público siempre está pendiente de su accionar. Diego Sakuray es el más histriónico de todos, pues se trata de un niño que, a pesar de no poder expresar sus ideas en palabras y oraciones completas, estas se dejan inferir gracias a los simpáticos movimientos de cuerpo, manos y gestos que ejecuta. La escenografía es genial, pues se logra ambientar una melancólica y grisácea ciudad, repleta de edificios y calles deshabitadas. Hay que reconocer que la asociación Malajuntas ha logrado que su elenco tenga un acertado vestuario, acorde al de sus respectivos personajes, con materiales muy bien cuidados, como el público infantil se merece.

La obra siempre entretiene, a pesar de contener algunas escenas no del todo claras, pero que se compensa con un trabajo en conjunto que apela mucho más al juego, generando así un espectáculo agradable y simpático. “Sanseacabó y el último refugio” es, sin lugar a dudas, un gran espectáculo dirigido para toda la familia y para todas las edades. Está en temporada hasta el 22 de julio, los sábados y domingos a las 4 pm, en el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico. Las entradas pueden ser adquiridas en la misma boletería del teatro. así como en Teleticket de Wong y Metro.

Enrique Pacheco
17 de mayo de 2018

miércoles, 16 de mayo de 2018

Estreno: LOS DEFENSORES DE LA NATURALEZA


¡Cuidar al planeta nunca fue tan divertido!

Idea y Producción: ECOFIESTA
Estreno: sábado 26 de Mayo CC. Ricardo Palma
PREVENTA HASTA EL 19 DE MAYO A 25 SOLES

TEMPORADA: del 26 de mayo al 24 de junio, sábados y domingo 4:00pm

IDEA Y PRODUCCIÓN: Ecofiesta
DRAMATURGIA: Jorge Bazalar
DIRECCIÓN: Jorge Bazalar
ELENCO: Laly Guimarey, Briscila Degregori, Nuria Mayor, Sergio Cano y Francisco Luna.
LUGAR: Centro Cultural Ricardo Palma

DIRECCIÓN: Av. Larco 770 Miraflores

Comenzando la temporada de teatro familiar, ECOFIESTA  presenta la obra “LOS DEFENSORES DE LA NATURALEZA” escrita y dirigida por Jorge Bazalar, La obra se estrena el sábado 26 de mayo a las 4:00 pm en el Centro Cultural Ricardo Palma.

LOS DEFENSORES DE LA NATURALEZA nos cuenta la historia de la Madre Naturaleza quien está muy enferma por el daño ambiental producido a diario. Ella necesita la ayuda de  defensores de la naturaleza para cuidar del planeta,  por lo que encontrará a dos personas del público a quienes les  enseñará toda la problemática ambiental que estamos viviendo a través de canciones y situaciones divertidas. Sin embargo,  ¿ellos podrán salvar el planeta? ¿Tendremos alguna esperanza?

LOS DEFENSORES DE LA NATURALEZA es la primera obra ecológica infantil que utiliza material reciclado en la utilería, accesorios, escenografía y demás materiales. Asimismo, es una obra que busca hacer una reflexión acerca de la problemática ambiental actual  como el crecimiento urbano desmedido en la costa, la tala indiscriminada de árboles en la selva y la contaminación en la sierra, así como el olvido de varias costumbres y tradiciones propias. También, es muy importante recalcar que la obra tiene una fuerte identidad peruana tanto en el vestuario, canciones e historia.

La puesta tiene como protagonistas a Briscila Degregori en el papel de Madre Naturaleza, Laly Guimarey en el papel de Laly y Sergio Cano en el papel de Checho. Siempre los acompañan dos músicos en escena quienes son Nuria Mayor y Francisco Luna.

LOS DEFENSORES DE LA NATURALEZA
Entrada General: S/.35.00 nuevos soles
Niños/ Estudiantes/ Jubilados: S/.25.00 nuevos soles

PREVENTA HASTA EL 19 DE MAYO TODOS A 25 NUEVOS SOLES*

Todas las personas que compren en preventa podrán entrar al sorteo por un KIT ECOFIESTA
¿Qué contiene el KIT ECOFIESTA?
- Una caja con chocolates variados de Amazonia Organic Products
- 1 juguete Juguetes toy mosca
- 1 vale de peluquería y 1 vale de foto estudio para niños de Tijeritas
- 1 bolso de Fussion
- 1 kit de útiles ecológicos por ONYX GREEN Perú
- 1 sandalias por ToKe InKa

*Solo 1 persona se llevará el KIT ECOFIESTA.
*El sorteo se realizará al finalizar la preventa.
¡Y tenemos una sorpresa más!
Todos los que asistan a la obra, podrán entrar al sorteo por 1 bicicleta ecológica por JANKO - Ecobicicletas. La sortearemos en nuestra última función.

Entradas a la venta en https://www.facebook.com/ecofiestaperu/, en JOINUS, ATRÁPALO  y en la boletería del teatro una hora antes de función.

Para mayor información comunicarse con
Hector Cabrera  - Productor| 987 921 884 |ecofiestaperu@gmail.com

lunes, 14 de mayo de 2018

Estreno: UN ENEMIGO DEL PUEBLO


En temporada inaugural del nuevo Teatro Roma

Con las actuaciones de Ricardo Combi, Hernán Romero, Rafael Hernández, Víctor Prada, Carlos Vértiz, Paco Varela, Lorena Reynoso, Miguel Torres y Maura Serpa.

Un clásico de la dramaturgia vigente en la actualidad.
Obra es producida por la Ensad y dirigida por Jorge Sarmiento.
Desde el 17 de mayo, de jueves a lunes, en Calle Emilio Fernández 248 – 252 - Santa Beatriz - Ex Cine Roma.

En la temporada inaugural del Teatro Roma, la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (Ensad) presenta desde el jueves 17 la obra teatral “Un enemigo del pueblo”, un clásico de la dramaturgia, escrita por el autor noruego Henrik Ibsen, dirigida por Jorge Sarmiento y protagonizada por Ricardo Combi, Hernán Romero, Rafael Hernández, Víctor Prada, Carlos Vértiz, Paco Varela, Lorena Reynoso, Miguel Torres y Maura Serpa.

La pieza nos cuenta la historia de Thomas Stockmann, el médico más respetado del pueblo, quien denuncia que las aguas del balneario están contaminadas y que esto puede traer problemas de salud a la población. Sin embargo, su declaración genera grandes inconvenientes con los intereses de los poderosos de la ciudad. En consecuencia, él deberá enfrentarse contra todos los que quieran censurarlo.

“La obra trata sobre el riesgo  que la democracia degenere en demagogia, mostrándonos una miniatura del mundo político contemporáneo: políticos expertos en el doble lenguaje, medios de comunicación con una fachada agresiva contra el poder, pero que pactan con él por intereses particulares enmascarados de “bien común” y una opinión pública a la que se sacraliza, pero al mismo tiempo se la manipula obscenamente”, sostiene el director de la obra, Jorge Sarmiento.

“Un enemigo del pueblo” va de jueves a lunes a las 8 de la noche, y los domingos a las 7 de la noche, del 17 de mayo al 16 de julio del 2018 en el Teatro Roma – Ensad (Calle Emilio Fernández 248 – 252 - Santa Beatriz - Ex Cine Roma). Las entradas están a la venta a 40 soles (general), 20 soles (estudiantes y jubilados) en la boletería del teatro o a los teléfonos 3320432 anexo 16 y 17 o al 943671887. Correo electrónico:ensadreservas@ensad.edu.pe.

sábado, 12 de mayo de 2018

Crítica: CUATRO MUJERES

Cuatro desconocidas, cuatro mujeres, cuatro madres

La obra Cuatro mujeres, escrita y dirigida por Cristhian Palomino con la dirección adjunta de Ricardo Morante, se presenta en el Teatro Auditorio Miraflores hasta el 27 de mayo. La obra cuenta tres historias, que se van intercalando entre escena y escena.

La musicalización en vivo fue un elemento que conectaba a las tres historias atmosféricamente. Además, el hecho de que fuera acústica le daba a la puesta en escena una sensación de intimidad. También funcionaba como un elemento que hacía empezar y terminar un capítulo en la vida de los personajes, lo cual le otorgaba continuidad al conjunto.

Las historias, que cuentan las vicisitudes de cuatro madres, tenían un cierto grado de inocencia desde la dramaturgia. Los problemas se resolvían de manera muy rápida y casual. Por ejemplo, en la historia "Sobre Lluvia", en la que una muchacha de pocos recursos, que se acaba de enterar de que está embarazada, se encuentra en un parque de un barrio “exclusivo” con una mujer adinerada que es infértil y ella le propone criar a su hijo. En primer lugar, no se explica nunca cómo la joven llegó a un lugar como ese. Y tampoco es lo suficientemente verosímil el hecho de que una persona decida adoptar el hijo de una extraña. Es decir, tanto el lugar como el eje de la historia son gratuitos. Esto provoca que la historia por momentos sea menos interesante de ver, puesto que le quita peso al conflicto. 

Si bien la banca da el efecto de que la vida transcurre y de que estas escenas son (o intentan ser) retazos de vida que pueden pasar desapercibidos, no se justifica su contexto en la primera historia. En la segunda y tercera llega a justificarse un poco mejor (en la segunda es el lugar predilecto de la prostituta y en la tercera es el punto de encuentro de dos viejos conocidos); no obstante, a veces su presencia no ayuda al conjunto, pues vuelve predecible el paso de una historia a otra. El problema, quizá, es intentar decir a través de la banca demasiadas cosas a la vez.

En cuanto a la construcción de personajes existió una desigualdad. En la primera historia hubo un contraste claro entre el personaje de Marla (Tatiana Espinoza) y de Lluvia (Rocío Montesinos). Mientras que Marla no era la típica mujer de clase alta, Lluvia sí se ceñía a los clichés de las personas de clase baja. Además, la historia le daba a Marla más posibilidades de desarrollo de vulnerabilidad que a Lluvia. En la segunda historia, "La Mujer de la Banca", sí hubo una equidad en la construcción de personajes: tanto el joven (Cristhian Palomino) como la mujer (Amparo Brambilla), sobre todo al principio, tenían complejidad. Sin embargo, con el transcurrir de la obra hay un giro bastante fuerte que o llega muy tarde o no se desarrolla lo suficiente como para generar un impacto en el espectador. La primera parte estuvo tan bien construida, que la segunda, luego del giro, no aportó a la evolución dramática. En la tercera historia, "Segunda Oportunidad", hubo demasiados elementos que se quisieron tocar, como la inclusión de la tecnología en la vida de las personas mayores, las segundas oportunidades en el amor, y que no estuvieron bien ensamblados. Había elementos en la dramaturgia, como lo que se descubre sobre la muerte del esposo de Morayma (Cecilia Tosso), que no aportaban a la historia y que llegaban a distraer.

Hacia el final de la obra vemos una intención de hilar las tres historias a partir de cómo el aspecto de madres de los cuatro personajes principales redondea su condición y contexto. Nos da a entender que, sin importar si se conocen o no, lo que las une, la maternidad, es más fuerte que todo. 

En la vida a veces vamos muy rápido. Por eso, quizá sea necesario detenernos de vez en cuando, alzar la mirada, observar, por qué no, a esa persona que está sentada en una banca cualquiera de la calle y preguntarnos qué es lo que nos une a ella, en qué nos parecemos, cuál es la música que entrelazaría nuestros caminos.

Stefany Olivos
12 de mayo de 2018

Temporada: EL TIEMPO DE LOS ANHELOS


Dirigida por Carlos Tolentino

Por tercera vez, la Municipalidad de San Isidro produce íntegramente una obra de teatro: “El tiempo de los anhelos”, inspirada libremente en el cuento “Casa tomada” del escritor Julio Cortázar. La obra es dirigida por Carlos Tolentino, dirección adjunta Norma Berrade, y cuenta con las actuaciones de Elsa Olivero, Mariajosé Vega, Emilia Mendoza, Gabriel Gil, Jesús Sosa y Steve Buendía.

La temporada va del 10 de mayo al 1 de julio, de jueves a domingo a las 8 pm., en el Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar (Calle La República 455). Entrada general 30 soles, estudiantes y jubilados 15, de venta en la boletería del teatro una hora antes de la función. 

Esta puesta en escena es el resultado de un exhaustivo trabajo que forma parte de la política cultural de la actual gestión municipal dirigida a los vecinos y al público en general. El proyecto “El tiempo de los anhelos” nació como un laboratorio experimental. El director Carlos Tolentino desde hace un tiempo investiga acerca de la relación entre literatura y teatro.

En “El tiempo de los anhelos”, Tolentino propone una lectura e interpretación diferente a las varias ya existentes sobre el cuento de Cortázar, en la cual quienes van ocupando la casa hasta obligar a los dos hermanos a huir, son sus propios anhelos. 

“El cuento “Casa Tomada” del escritor argentino Julio Cortázar (en el que se basa la obra) ha sido en reiteradas oportunidades la razón de muchos estudios. La narración nace de la presencia de una fuerza extraña que domina la vida de los protagonistas, Irene y su hermano quienes se han vuelto cada vez más solitarios dentro de su rutina y de su propia casa, al punto de comenzar a escuchar ruidos y movimientos de seres extraños que, en realidad, puede que no existan. Las situaciones fantásticas de las obras de Cortázar aparecen en la realidad cotidiana basadas en el orden de la causalidad racional, pero ante la ausencia de explicación, se destaca más la ambigüedad produciéndose interpretaciones infinitas y generando también interacciones entre el autor y la obra, y entre la obra y el lector”, explica Carlos Tolentino, director de la obra. 

ENTRADAS
Entrada general S/ 30
Estudiantes, jubilados y vecinos de San Isidro (debe figurar en el DNI): S/ 15

Crítica: UNA GATA SOBRE EL TEJADO CALIENTE DE ZINC

¡Verdaderas mentiras!

¿Cómo sobrellevar la rutina de una vida llena de mentiras, de apariencias e hipocresías? Una gata sobre el tejado caliente de zinc (1955), del escritor estadounidense Tennessee Williams, intenta desvelar la complejidad de esta pregunta, bajo la dirección de Joanna Lombardi, conocida por su trabajo como directora de cine. Esta vez, decide arriesgar con su primera propuesta teatral, invitando al espectador a experimentar un sube y baja de emociones.

La obra transcurre debido a un acontecimiento familiar: el cumpleaños del abuelo Pollitt, el cual será el pretexto perfecto para que caigan las máscaras, con las que una familia buscaba ocultar las ambiciones más superfluas, los miedos más profundos, las represiones, la hipocresía y hasta la propia muerte.

En primer lugar, el diseño y elementos de la escenografía fueron un acierto, puesto que aportaron el realismo que las escenas necesitaban (la obra trascurre en una habitación). Además de servir como apoyo a la acción de los personajes, todos los artículos se utilizaron con pertinencia; por momentos, la iluminación parecía hacer alusión al tejado caliente que se menciona en el título de la obra. Considero que la experiencia de la directora en cine fue un plus, que se evidenciaba en la pulcritud de los detalles.

De otro lado, hablar del elenco es aludir a un grupo de actores consolidados y con una trayectoria indiscutible: Wendy Vásquez y Rodrigo Palacios -como Maggie (la gata) y Brick, respectivamente- tuvieron intervenciones más que destacadas. A su vez, Gustavo Bueno, en un rol clave en el desarrollo de la narrativa, interpretando magistralmente al Padre de Brick. Protagonizando junto a él, una de las escenas más conmovedoras y duras de la puesta: una conversación en donde padre e hijo revelan sus sentimientos, dolores y frustraciones. Completan el reparto Graciela Paola –caracterizando de manera entrañable a la madre de Brick-, Eduardo Camino, Diego Lombardi, Anneliese Fiedler y Chipi Proaño. Otro punto notable es la naturalidad, tanto en la interpretación de los personajes como en la forma de estructurar la obra. 

Particularmente, considero que el contenido (el texto), la interpretación real y sencilla de los actores y una dirección precisa y minuciosa son los ingredientes que han dado como resultado un buen montaje.

La historia de estos personajes, atrapados en sus propios conflictos, perseguidos por sus mentiras y ambiciones; retrata situaciones actuales, que ya se trataban en los tiempos de un clásico como lo es Una gata sobre el tejado caliente de zinc, que sin lugar a dudas merece que el público vaya a verla y genere sus propias impresiones al respecto.

Maria Cristina Mory Cárdenas
12 de mayo de 2018

Entrevistas: JOANNA LOMBARDI, GRAPA PAOLA y RODRIGO PALACIOS


Una gata sobre el tejado caliente de zinc

Con motivo del pre-estreno de la obra Una gata sobre el tejado caliente de zinc en el Centro Cultural de la PUCP, Oficio Crítico conversó con la directora de la puesta Joanna Lombardi y con los actores Rodrigo Palacios y Grapa Paola, quienes forman parte de esta interesante obra.

Para la directora y escritora cinematográfica Lombardi, esta es su primera experiencia en las artes escénicas. “Siempre he estado metida en cine, de hecho he dirigido tres películas”, comenta. “Siempre había tenido estas ganas de hacer teatro, he sido asistente de dirección algunas veces, pero no había tenido la oportunidad de dirigir una obra y de pronto apareció ésta y me mandé con todo”. Lombardi tuvo la oportunidad de haber elegido a sus actores y afirma sentirse feliz. “Y aquí, en el Centro Cultural, son increíbles todos, es un trabajo súper bonito, en equipo y estoy bastante contenta, es la primera vez que vemos la obra con público y creo que el público está muy conectado, sigue la historia”.

Consultada sobre las diferencias entre los mencionados lenguajes, Lombardi menciona que “es bien diferente en todo en realidad, desde los procesos de trabajo como el tiempo de ensayos, pero creo que lo principal es que en cine tú tienes un elemento que es la cámara y esta te permite elegir qué ver y qué mostrar; en cambio, en una obra de teatro estás con un plano general, se está viendo todo, entonces es mucho más difícil contar lo que le pasa a los personajes, porque en cine yo hago un primer plano, cuento en el montaje”. Si bien es cierto, ese ha sido uno de los principales retos para la novel directora teatral, ella asegura que en el teatro uno trabaja y luego, tiene que dejar a los actores seguir y hacer toda la función. “Y no puedes parar, yo nunca sé cómo va a ser la función y en cine yo ya sé cómo quedó la película y nadie la va a cambiar… Además estás asustada, porque nunca sabes si se van a equivocar ¿no? Son personas, se olvidan de la letra… Te tienes que entregar, lo bonito es saber que deben haber funciones más bonitas que otras”.

Una gata sobre el tejado caliente de zinc es una pieza clásica de Tenessee Williams. Para Lombardi, “el concepto grande que está detrás de la obra es la mentira, en todas sus formas y entre todos”. Cree además que es importante observar esa normalización de la mentira, en el núcleo familiar. “Es donde la gente que más te quiere, la gente en la que más confías y creo que eso pasa mucho, es como esperar que esos integrantes de cualquier familia salgan al mundo y no sean corruptos y no engañen, entonces creo que es como este regreso a decir cómo es mi vida chiquita, cómo me porto yo, con mi papá, con mi mamá, con mis amigos ¿no? Porque es bien fácil criticar y sorprenderse con la corrupción, pero si ni en mi casa soy capaz de ser honesto…” Acerca de su preferencia por el cine o teatro (referente a la dirección), la cineasta asegura que, aún le falta mucho teatro para poder comparar; sin embargo, le ilusiona la idea de continuar dirigiendo en las tablas.

Por su parte, la actriz Graciela Paola comenta que “ha sido un proceso muy interesante, muy bueno, no solo por los magníficos compañeros con los que he trabajado, sino también por la dirección clara, rigurosa y maravillosa de Joanna Lombardi y la co-dirección de Diego Lombardi, su hermano”. No es la primera vez que Grapa trabaja con la directora, pues ya habían coincidido en Microteatro. “Mi primer largo Casadentro también lo dirigió Joanna, así que nos conocemos muy bien”. A su vez, refiere que su personaje “es una mujer sumisa al principio y luego saca las garras como una gata sobre el tejado caliente, precisamente, para defender a su esposo… cuando Joanna me dijo para hacer de la mamá en esta obra, dije sí, yo quería hacer ese personaje”.    
  
De otro lado, Rodrigo Palacios nos cuenta cómo ha sido crear a su personaje. “Ha sido como una cajita de pandora, porque es de esas personas que trata de evadir todo el rato, evadir, evadir y no enfrenta sus demonios, entonces es la típica persona que tienes que estar escarbando hasta llegar a la verdad y, eso es lo bonito, por eso, el proceso no se me hace tan difícil, porque en la obra vas sacándote capas y capas hasta llegar a la carnecita del personaje de la historia”. Agrega a su vez acerca de la obra, que “la mano de Joanna creo que ha sido más por el lado de decir las cosas tal cual, no sobreactuarlas, trabajar con un estilo muy naturalista, que sientas que realmente estás viendo lo que pasa dentro de un departamento, en una casa de verdad, que te la creas, que no sientas que estás en un teatro viendo una obra armada, sino que las cosas pasan de verdad… y yo siento que se logra eso y es lo que me gusta de formar parte de esto”. Finalmente, el actor invita al público a ver la puesta, que ya se estrenó y va de jueves a lunes a las 8:00 p.m. en el Centro Cultural de la PUCP.

Maria Cristina Mory Cárdenas
12 de mayo de 2018

Crítica: HOGAR DULCE HOGAR


La familia siempre será lo primero

Una familia que ha sufrido la pérdida de uno de sus miembros, un nuevo integrante familiar, un novio muy imprudente y una fecha especialmente significativa (la Navidad) son los principales componentes de la obra Hogar dulce Hogar, escrita y dirigida por Gianfranco Mejía.

Un preámbulo musical recibía al público para tomar sus lugares, lo cual generaba un ambiente festivo y propio de la sencilla escenografía, en la que destacaba el luminoso árbol de Navidad. Ahora bien, un detalle que lastimosamente no pasó desapercibido: la falta de consideración y respeto de parte de cierta parte del público, que aprovechaba los cambios de escena para comentar y bromear en tono alto, motivando el reclamo del resto. Si bien esta situación no es culpa de la producción, es cierto también, que en ellos recae la responsabilidad de recalcar a los espectadores que guarden silencio y así, no llegar a los incómodos momentos que se suscitaron, los mismos que terminan perjudicando el trabajo del elenco y desluciendo al montaje, debido a las distracciones.

Pasando entonces al tema central, que es la obra, tengo que mencionar la sensación de estar ante una narrativa con un lenguaje bastante coloquial (ausencia de diálogos intuitivos), en el que se expresaba con exactitud lo que se quería decir en cada línea, generando situaciones jocosas bastante predecibles, las cuales sostenían parte de la esencia de la historia.

En cuanto al elenco, definitivamente, la fuerza interpretativa fue un elemento importante para destacar la obra y, en este caso, la presencia de la primera actriz Haydeé Cáceres (interpretando a la madre) fue contundente, haciendo gala de esta cualidad que posee como actriz consolidada. Completan el elenco Pedro Olórtegui –preciso en su papel de Gabriel-, Ricardo Morante –como un entrañable abuelo-, Diego Alonso Pérez –divertido y versátil en su papel de Erick-, Ximena Fukuda, Lucia La Rosa y Gianfranco Mejía –correctos en sus personajes de hermanos-, destacándose un trabajo grupal compacto.

Una propuesta sencilla que, sin grandes pretensiones, logró captar la atención del público; así como transmitir un mensaje de unión familiar a través de situaciones cotidianas que, sin dudas, no está demás valorar en estos tiempos de prisas y egoísmos.

Maria Cristina Mory Cárdenas
12 de mayo de 2018

lunes, 7 de mayo de 2018

Crítica: JAPAN, EL MUSICAL


Japón, un continente de jóvenes por explorar

“El público que asiste al teatro decrece en el mundo. El teatro no solo no consigue inspirar o instruir, sino que apenas divierte.” -Peter Brook
  
La obra “Japan, el musical” ha estrenado el  5 de mayo y estará hasta el 10 de junio, los sábados a las 4:00 pm. y domingos a las 3:00 pm. en la sala del auditorio del ICPNA de Miraflores. Dirigida por Mario Mendoza, esta cuenta con diez actores en escena. Un grupo de adolescentes de tercero de secundaria pertenece a “Maganime -Club Otaku”; estos jóvenes son tomados como los diferentes de la clase. A partir de esta diferencia, se nos muestra diversas situaciones anecdóticas propias de la adolescencia, pasando por temáticas como el bullying, el poder, el amor, la amistad.

“Japan, el musical” es una propuesta de comedia y musical dirigida sobre todo para adolescentes. La obra puede llegar a ser un buen material para difundir en colegios; sin embargo, los “conflictos anecdóticos” no lograban desarrollar “los temas” en una estructura fuerte, ni profunda. Esta comedia se sostenía en el uso del gag.

Ante esto, debo resaltar el buen trabajo de los actores dentro de las convenciones. No obstante, la obra pudo explotar de mejor forma todos los demás elementos (el espacio, la luz, el ritmo), que ayudan justamente a completar “lo espectacular” que debería caracterizar un musical. La obra mantiene una sensación plana en el uso del espacio, por lo que no aporta al dinamismo, ni al ritmo en las escenas, que creo fundamental para obras musicales.

Ver esta estética en varias obras de jóvenes teatreros me ha generado una reflexión: los artistas jóvenes han encontrado en los colegios un nicho interesante y por seguir explotando, como medio de difundir el arte escénico. Hoy en día se imparte y se hace teatro para escolares y adolescentes en mayor escala. Es curioso cómo, desde la necesidad de nuevos públicos, se ha regresado a los colegios, generando espectadores jóvenes que son el presente y futuro público.

Que el arte esté dirigido a escolares, no debería quitarle el carácter de rigurosidad y responsabilidad de denominarse arte. Hoy en día, en el medio, se puede notar una cultura de “no arriesgar”. Me es muy difícil entender la preocupación que solemos los escénicos de hacer arte, ¿midiendo la capacidad de comprensión de nuestro espectador?  Y ello puede ser uno de los puntos de pretexto para no explorar. El teatro que tiene fórmulas para ser ejecutado deja de ser arte y es un artificio. Como bien señala Peter Brook: “Un director mortal emplea fórmulas, métodos, chistes y efectos viejos y lo mismo cabe decir de sus colaboradores”.

Los artistas escénicos olvidamos muchas veces los diferentes enfoques que puede tener el acercamiento a una obra artística. Y estos múltiples abordajes pasan desde exaltar, cuestionar, entender, hacer sentir, molestar… etc.

El teatro es un arte poli-semiológico, por lo tanto, no encuentra al espectador desde uno de sus sentidos, sino que lo aborda desde todos. Y en esto reside una de las grandes riquezas del teatro. El arte debería poder llegar a cualquier público, divirtiendo desde el contenido y la pertinencia de este en el contexto actual, más aun si se denomina “musical familiar”.

Usted tiene  hasta el 10 de junio para verla y crear su propia opinión de la obra.

Kiara Jossilú Castro Béjar
7 de mayo de 2018

Crítica: MALA SANGRE


Con sangre fría

Tres desconocidos (un profesor de biología, una maestra de primaria y una galerista) cruzan sus vidas en un elevador. De este forzado encuentro surgirán circunstancias y coincidencias entre ellos, las cuales los llevarán al límite de sus emociones haciendo que cometan un asesinato. Esta es la trama de Mala Sangre, bajo la dirección de Daniel Dillon e inspirada en la dramaturgia del español David Plana Rusiñol.

EVITERNO TEATRO lleva a cabo esta puesta de humor negro, con un elenco conformado por Nik Bejarano, Josué Cohello, Jefferson Cornejo, Juliet Pacahuala, Rosa Peralta, Mily Riper y Joel Soria. En medio de un escenario creado para reflejar la frialdad y soledad de un sótano, así como la imagen ficticia de un ascensor, se desenvuelve la narrativa propuesta. Los actores desarrollan un trabajo preciso al momento de ejecutar su acción –sobre todo en los momentos implícitos- y si bien en cierto momento algún personaje desbordó su energía perdiendo naturalidad, se logró un equilibrio grupal. Por otro lado, se mantuvo la expectación del público a cada escena, detalle importante en esta obra, que, a pesar de la simplicidad en la escenografía y elementos de apoyo, supo dirigir la atención al contenido de la historia.

Es interesante haber armado cada escena, de tal modo que se manifiestan claramente las circunstancias de los personajes, aunque de una manera superficial, pero suficiente para comprender que sus represiones, sus pasiones, sus complejos, sus frustraciones y dolor van a conducirlos a actuar movidos por sus impulsos dejando a la lógica y sus razones de lado.

Finalmente, es una obra que lleva al espectador a reflexionar acerca de las emociones, los impulsos, las pasiones, lo que se calla, aquello que no se enseña a controlar y que tarde o temprano, termina por rebasar al ser humano, convirtiéndolo en un ente que, en determinadas situaciones, podría actuar con sangre fría e irracionalidad. En este caso, se utiliza la comedia negra, elemento que aporta un matiz distinto a este tipo de contenido, hecho que no lo hace menos importante ni real.

Maria Cristina Mory Cárdenas
7 de mayo de 2018

Temporada: HAGAMOS MAGIA


Hasta el 29 de julio

OBRA FAMILIAR  SE PRESENTA EN AUDITORIO AFP INTEGRA DEL MALI

Obra dirigida por Armando Machuca se presenta en el Auditorio AFP Integra del MALI. Escrita por Alexander Rubio con colaboración de Mario Soldevilla, quienes actúan con la musicalización de Armando Abanto.

Hasta el 29 de julio; con funciones los sábados y domingos a las 4:00 p.m. Venta de entradas en Teleticket y en la boletería del MALI.

El Museo de Arte de Lima presenta la obra Hagamos magia, divertido espectáculo de teatro, música y magia que se estará presentando desde del 5 de mayo al 29 de julio en el Auditorio AFP Integra del MALI. Con funciones, los sábados y domingos a las 4:00 p.m., esta puesta en escena busca teatralizar la magia en un contexto donde el público también forma parte de la obra.

Está a punto de abrirse el telón para dar inicio al espectáculo de magia del asombroso y extraordinario Faustolín. Su hermano menor llamado CJ - y al mismo tiempo su asistente- está terminando de alistar todo para que el primero vuelva a brillar en escena. Ambos están dispuestos a sorprender a todo el público como lo hacía su padre, el recordado Faustomán. Sin embargo, algo inesperado sucede y los sorprendidos serán ellos cuando la magia llegue de la forma y de la persona menos esperada. Este espectáculo nos muestra la historia de dos hermanos que aprenden el verdadero significado de la magia, pues cuando están juntos y creen en ellos mismos, son capaces de lograr lo que pensaban que era imposible. ¿Será cierto que quien tiene magia, no necesita trucos?

Escrita por Alexander Rubio y dirigida por Armando Machuca, esta obra cuenta con las actuaciones de Alexander Rubio y Mario Soldevilla; además de la asistencia escénica de Mauricio Núñez y producción de Maryfé Asparria.

Las entradas están a la venta en Teleticket y en la boletería MALI.

HAGAMOS MAGIA
Lugar: Auditorio AFP Integra del MALI (Paseo Colón 125, Parque de la Exposición, Lima 1).
Temporada: del 5 de mayo al 29 de julio de 2018.
Funciones: sábados y domingos, 4:00 p.m.
Precio: S/20 General | S/10 Estudiantes, jubilados, miembros del Programa Amigos del MALI (PAM) y niños hasta los 12 años.
Venta de entradas: en Teleticket y en la boletería del MALI.

domingo, 6 de mayo de 2018

Crítica: CONTRACORRIENTE


Un musical y un espectáculo de circo

La Asociación Cultural Bigote de Gato presenta el espectáculo de círco contemporáneo “Contracorriente”, una creación colectiva que se presentó, en breve temporada, en las instalaciones de ICPNA-Centro en el mes de marzo. Esta agrupación se fundó el 15 de octubre del 2010 por jóvenes, artistas y líderes de la comunidad del distrito de Villa El Salvador, con el propósito de contribuir con la transformación social a través y principalmente, del arte del circo. Sus actividades culturales están dirigidas a la comunidad, jóvenes, adolescentes y vecinos, y todo su trabajo busca, además de una gran calidad estética, el fortalecimiento de valores de ciudadanía.

La puesta en escena es totalmente circense, donde los actores demuestran su total dominio del movimiento, expresión corporal, precisión, trabajo en equipo, juego de monociclos, danza, música y sobre todo, la capacidad de conmover al público de todas las edades. “Nueve”, un muchacho que desde el inicio no encuentra su lugar en el espacio, es el protagonista de la historia; su primera escena consiste en la búsqueda de su chaleco sobre el piso. Él luchará durante toda la obra para mantener su identidad en un mundo gris y hostil, en el cual todos los demás se encuentran absorbidos por el sistema. La obra no tiene diálogos verbales, sino más bien corporales: los otros tres personajes (dos actrices y un actor más) juegan en la historia a ser los antagonistas, que tratan mediante una serie de juegos de acrobacia bastante bien elaborados, integrar a “Nueve” dentro del sistema.

Las luces del escenario permanecen en un solo color durante la función, pero la musicalización es conmovedora durante las diferentes escenas, en especial, cuando se escucha la banda sonora de la famosa película de Darren Aronofsky, “Requiem por un sueño” (2000), en un momento en que las acrobacias y juegos de equilibrios se vuelven más complicados, al punto de dar la impresión de que pueden llegar a ser peligrosos para los actores. Es rescatable el gran profesionalismo con que se llevó a cabo la obra, de tal manera que en ningún momento llegó a lastimarse ningún actor. El espectáculo fue corto (de 35 minutos, aproximadamente), pero impresionante.

“Contracorriente” fue estrenada en octubre del 2017 y durante el pasado mes de diciembre estuvo presentándose por países como España, Alemania, Holanda, Bélgica y Francia, en el marco de su gira internacional “Más allá de las fronteras”. “Contracorriente” estará en temporada hasta el 13 de mayo en el Centro Cultural Ricardo Palma, Avenida Larco 770, Miraflores.

Enrique Pacheco
6 de mayo de 2018

sábado, 5 de mayo de 2018

Evento: FITECA 2018


Edición número XVII

El Festival Internacional de Teatro en Calles Abiertas tiene el agrado de presentar e invitar a todo el público de Lima y el Perú, la décima séptima edición de la fiesta de las artes escénicas con enfoque comunitario y sobre todo, solidario: Fiteca 2018. Este año tendrá como sede principal al barrio de La Balanza (Comas, Lima), hasta el 6 de mayo; a Chincha (Ica), los días 9 y 10; y a Musa (La Molina), los días 11 y 12 del presente mes. Fiteca transfoma los barrios y convierte el mes de mayo de cada año en un momento especial para compartir sanamente con amigos y familia, y al cual se puede acceder de manera libre y gratuita. La fiesta es el resultado de la unión de esfuerzos voluntarios de una gran divesidad de colectivos, asociaciones, instituciones, agrupaciones teatrales y un gran número de artistas independientes locales e internacionales que trabajan en el éxito del festival.

¿Cómo llegar?
La manera más sencilla de llegar es tomando el servicio troncal del Metropolitano hasta la estación Naranjal en el distrito de Independencia y luego tomar el servicio alimentador “Puno” y bajarse en la estación “Parque Tahuantinsuyo” (La Balanza, Comas); esta es la estación donde sucede el Fiteca.

La programación es la siguiente:

jueves, 3 de mayo de 2018

Estreno: GRANDES INTENCIONES


Escribe y dirige Federico Abrill

A través de la vida de cinco vecinos, esta comedia refleja el tedio de la rutina y los grandes cambios que producen la empatía, la conexión y el amor. La música en vivo acompaña esta historia que escapa de una narración tradicional, introduciendo al público en diferentes tiempos y espacios.

Abril 2018. ¿Qué es lo que realmente nos hace felices? ¿Aprovechamos las oportunidades que la vida nos da o vivimos inmersos en una rutina interminable? “Grandes Intenciones” plantea estas preguntas. La vecina del departamento 101 prende su radio todos los días a la misma hora, despertando muy temprano a todos sus vecinos. Con la música, Marta se levanta para ir a trabajar, Beatriz se alista para sacar a pasear a Amor, su perro, mientras que Pedro solo quisiera tener el poder de destruir la radio. Todos viven en el mismo edificio. Y, a pesar de eso, ninguno se conoce.

Un día, la radio no vuelve a prenderse y la única que lo nota es Luna. ¿Qué sucedió con esa vecina? El tratar de descubrirlo abre la posibilidad de conocerse entre sí y la respuesta al misterio cambiará sus vidas. “Vivimos en un mundo dedicado al yo, que no conecta y se encierra en una pantalla. Grandes Intenciones busca abrirte la mirada, aunque sea durante la obra. Sin querer, he podido investigar sobre la dramaturgia como capacidad de conectarme conmigo y a la vez conectarme con las personas con lo que escribo”, comenta el dramaturgo y director Federico Abrill.

El elenco estará conformado por Renato Pantigozo, Roxana Cavero, Tamara Padilla, Gretta Lisboa, Fernando Castañeda y el músico José Miguel Ríos.  La temporada inicia el 10 de mayo hasta el 27 del mismo mes con funciones jueves, viernes y sábados a las 8pm y domingos a las 7 pm en el Teatro Ensamble (Barranco). Las entradas estarán a la venta en Atrápalo desde el 1 de mayo.

CONTACTO DE PRENSA
SUZETTI HANANEL
98500-6084